Eflorescência

A exposição “Eflorescência” apresenta a nova pesquisa de Fernanda Corsini sobre o vitalismo material e espiritual. Por meio de uma manualidade cirúrgica, a artista recorta, sobrepõe, costura, desenha e constrói camadas que dão forma às suas obras. Há nesse procedimento algo de arqueológico, como se cada camada guardasse vestígios de um tempo anterior. Ao acrescentar matéria, a artista produz profundidades; ao abrir fissuras, revela aquilo que estava escondido. Essa lógica se aproxima da pintura, essa linguagem que historicamente se constitui pela sobreposição de camadas. Entretanto, o trabalho de Fernanda não se limita à uma única linguagem. Suas obras habitam um território híbrido, entre a pintura, o desenho, a escultura, a colagem e o bordado. Da pintura, incorporam a cor e a construção por camadas; do desenho, a linha e o gesto; da escultura, o volume e a profundidade; da colagem, a reunião de fragmentos; do bordado, a costura que conecta e organiza as formas. São imagens oníricas que transitam entre a figuração e a abstração, sem pertencer inteiramente a nenhuma delas. Essa indeterminação não é apenas uma escolha formal, mas uma maneira de compreender o próprio mundo.

Toda matéria possui memória. No caso do papel, essa memória é vegetal. E a matéria não guarda apenas propriedades físicas, mas também carrega uma dimensão espiritual. A espiritualidade do papel, no trabalho de Fernanda, está justamente nessa possibilidade de transmutação. Aquilo que um dia foi vegetal transforma-se em papel e, pelas mãos da artista, volta a assumir formas de vida. O papel se transforma em flor, a flor se aproxima de um útero, o útero se confunde com uma paisagem, a paisagem adquire a aparência de um organismo. Nenhuma dessas formas permanece encerrada em si mesma. Todas parecem participar de um movimento contínuo de transformação, como se a matéria conservasse a memória de outras existências e a possibilidade de se tornar algo novo.

Existe, nesse movimento, um vitalismo material. Trata-se de uma ciclicidade vital, em que cada forma conserva a possibilidade de outras formas. O que conecta todas essas manifestações é o desejo, compreendido não como ausência ou falta, mas como força de criação. Falar de desejo é também falar de Eros. Na tradição filosófica e mitológica, Eros aparece associado à busca de reunião daquilo que foi separado. Eros, aqui, é a união entre natureza e cultura, eu e outro, dentro e fora, individual e coletivo.

Embora as obras sejam híbridas em suas linguagens, e em seu espectro indeterminado entre o figurativo e o abstrato; a ideia de “híbrido” pressupõe a existência de elementos separados. O interesse de Fernanda é por aquilo que antecede a própria separação, isto é, pelo grau zero da vida, por um estado anterior à linguagem e às classificações, no qual corpo, paisagem, planta e mineral ainda não foram separados, mas participam de uma mesma sopa primordial. Trata-se de um campo de forças comum, um grande caldeirão vital do qual todas as formas podem emergir.

“A minha arte fundamenta-se na crença em uma energia universal que percorre todas as coisas. Do inseto ao ser humano, do ser humano ao espectro, do espectro à planta, da planta à galáxia”.¹

Há em suas imagens algo de pré-humano, uma energia que parece existir antes da separação da vida em reinos e espécies. Muitas de suas formas lembram organismos ainda em desenvolvimento. Parecem habitar aquele instante em que a matéria começa a se organizar, quando a vida ainda não encontrou sua forma definitiva. São imagens de uma existência que está aprendendo a nascer. Essa condição embrionária ajuda a compreender os emaranhamentos que atravessam suas obras. Linhas, costuras, filamentos, relevos, cavidades e sobreposições produzem estruturas densas, nas quais é difícil identificar onde uma forma termina e outra começa.

Por isso, suas paisagens também podem ser compreendidas como organismos. A paisagem deixa de ser um cenário exterior ao corpo e passa a adquirir uma anatomia própria. Fernanda nos apresenta, de certo modo, as vísceras abertas da paisagem, suas estruturas internas e seus sulcos e fluidos em circulação.

Não existe uma natureza passiva esperando ser observada. Existe uma natureza que age e produz suas próprias formas. Diante dessa complexidade, a linguagem humana parece insuficiente. É nesse limite da linguagem que a cor adquire uma função fundamental na pesquisa de Fernanda. Em muitas obras, uma única cor predomina e se espalha por toda a composição. A cor deixa de funcionar apenas como atributo das formas e passa a constituir a própria ontologia: a cor não apenas reveste os organismos, mas é o fundamento de sua existência. A unidade não significa ausência de diferença, mas a possibilidade de compreender diferenças como expressões de uma mesma realidade compartilhada.

Fernanda questiona os formatos retangulares tradicionais que atravessam a história da pintura ocidental. O suporte deixa de impor seus limites à imagem, e a imagem passa a construir seus próprios limites. A obra não precisa mais caber dentro de um retângulo: ela pode crescer, expandir-se, abrir cavidades e ocupar o espaço segundo sua própria lógica.

A escala acrescenta outra dimensão a essa experiência. Diante das obras, nem sempre conseguimos determinar se observamos uma estrutura microscópica ou uma paisagem de dimensões cósmicas. Há uma espécie de fractalidade poética nessa relação: estruturas semelhantes parecem reaparecer em diferentes escalas, sugerindo que os processos de organização da matéria atravessam tanto os organismos mais diminutos quanto as grandes formações do universo.

A pesquisa de Fernanda Corsini nos convida a reconhecer que a vida não se limita às formas que aprendemos a classificar e separar. Há uma dimensão da existência que antecede essas divisões, um campo de forças no qual corpo e natureza participam de um mesmo movimento de criação. Entre a memória do vegetal e a possibilidade de novas vidas, Fernanda constrói imagens de um mundo que não terminou de nascer. Um mundo no qual a matéria guarda lembranças, a cor produz existências, as fendas criam encontros e as formas permanecem abertas à transmutação.

¹ MENDIETA, Ana. Catálogo da exposição no centro galego de arte contemporânea. In: KUSPIT, Donald, 1996, p. 29.

Lucas Dilacerda

Novembro de 2026